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发表于 2015-2-3 13:34:19
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Oscar Peterson 1925年生于加拿大Montreal，六岁开始学习钢琴，十四岁时就已担任当地电台节目的音乐班底，1949年他在美国卡内基音乐厅的初次登场，获得美国爵士乐爱好者的热烈回响，也开始了他的录音生涯。他早期的钢琴作品受Nat King Cole的启发，后来则受现代爵士乐钢琴风格的影响，基本上他并不限于任一种演奏风格，在体裁方面，凡民谣，蓝调，放克或Bebop等等，他一律接纳，无论任何情形下，他所创造出的音符，总是生动和富变化，就像他擅长的和声变化，极具剌激性，非常的摇摆。他所有作品本质，始终依附在轻松且节拍灵活自由的摇摆乐上，虽然有时常充斥着反复的乐节，或一再地弹着同一音符，却使得曲子更具节奏的张力，由旋律的观点而言，有时虽有点散乱，却无损音乐的完整性，流畅性，反而塑造出他的特殊风格，爵士乐界的钢琴手，表少有人能像他将现与传统爵士乐，作极精湛的结合，他可说是爵士乐界最佳的伴奏者之一。当代杰出的爵士人多曾经与他合作过，从Louis Armstrong, Ella Fitzgrald, Billie Holiday, 他早期与Ray Brown贝斯手组了二重奏，从来以Nat King Cole的规制，加入了吉他手形成著名的三重奏，1970年后，他的演奏规制，不固定二重奏或三重奏或独奏，他的合作对象也不固定，唯一不变的是他仍持续地灌录唱片，他仍活力十足地为爵士乐留下不析的资产，同时他也是爵士乐界灌录唱片最多的乐师之一。
在无数的黑人乐手中奥斯卡·彼得森可谓是一位爵士钢琴中的领袖级人物，他把爵士乐轻佻、迷幻的色彩通过手指与琴键的接触直接勾勒在我们面前，虽然很多音阶听上去那么不和谐，但正是这些不和谐的、跳跃的音符造就了他的音乐在酒吧中盛行的趋势。现今社会的中坚力量也正是那些懂得享受生活，希望尝试多元化的生活的时尚一族。
数十年来他在爵士钢琴领域中的地位始终屹立不摇，他的风格Swing也一直坚持着，不在乎Fusion, Free Jazz的新潮流，他并不落伍，但没有人能够说他的风格是不合时宜的，他多变的风格，无疑是整个爵士钢琴史的综合体，他在1984年被Down Beat杂志列为爵士名人堂的唯一得主，同时从1950到现在，也几度被读者选为最佳钢琴手。与他合奏的对象除了二重奏，三重奏时期的固定班底外，也加铜管乐器和小提琴等等乐手，他的音乐时而高潮迭起，时而流畅自然，在在显示他技巧的成熟度以及乐手间的默契十足。他的音乐，可以说是一个自由的极至表现，听到他的音符，会令你感受到轻快却有秩序，你听到快速的音符却排列整齐地在他指下，你大可以轻松的心情，仔细聆听他音符的变化，你会发现听似杂乱无章的音乐其中居然是一篇自由即兴的旋律，要是你不懂Swing，由他的音乐就可以轻易入门，从他身上可以看出创作的精神及即兴演奏的美妙。就让他带给你最舒服，最无压力的一种感受吧。
他的钢琴作品并不限于任一种演奏风格，在体裁方面，对民谣，蓝调，放克或Bebop等等一律接纳；他所有的作品本质，始终依附在轻松且节拍灵活自由的摇摆乐上，虽然有时常充斥着反复的乐节，或一再地弹着同一音符，却使得曲子更具节奏的张力，由旋律的观点而言，略有些散乱却无损音乐的完整性与流畅性的特点，反而塑造出他的特殊风格，他可以说是爵士乐界最佳的伴奏者之一。____________________________________
Clifford Brown堪称是一位能与“晕眩”格莱斯比以及Miles Davis一争高低的杰出小号演奏家。他出色的演奏技术影响至今，从某种意义上来说，他本身就代表着硬波普。他的独奏中总是充满长而且优美的即兴表演，以全新的方式诠释标准曲目，以原创性十足的音色和创新的和音彻底瓦解了小号演奏的成规。
Clifford Brown十五岁起开始了学习小号演奏，三年后便在费城的各个酒吧频繁演出。当时，Fats Navarro给予了Clifford Brown精神上的极大鼓舞。1952年，Clifford Brown与Chris Powell的“Blue Flames”乐队合作了他的首张专辑，随后他又先后与Tadd Dameron，莱昂内尔.汉普敦进行了广泛的合作并且在欧洲进行了巡回演出。1954年初，Clifford Brown录制了一系列精彩的个人专辑，同年他与鼓手麦克斯.罗奇自组了一个五重奏小组，被公认为是爵士乐坛最优秀的硬波普乐队之一。这个五重奏小组一直持续到Clifford Brown不幸遭遇车祸才宣布解散，而在他遇难的仅仅数小时前，他还参加了一个小型爵士音乐会并演奏了一些极为精彩的曲目。
三连音，线性旋律，丰富的表情变化是Clifford Brown进行即兴演奏时的三大法宝。他用三连音这种与二倍数抗衡的节拍把呆板的音乐变得鲜活起来，线性旋律使得他在每个转调中的和弦诠释都十分清楚，而演奏中不时跳出的强弱记号，重音，圆滑线，长音，断音或装饰音使“死”的音符经由他手中的乐器而变得“活”起来，使音乐具有张力，富于变化，百听不厌。
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Art Blakey可以算是爵士乐史上最重要的鼓手，他是hard bop硬派爵士乐的先驱和精神领袖。他具有的非凡技艺除外，更重要的是他带领很多乐手，造就了一批爵士的爱好者和爵士艺人，他同时是许多乐手的重要指导者和合作者。Art Blakey不论是在大乐队或是小的团体，他都有很好的表现。
童年时的Art Blakey受到过钢琴方面的训练，也曾经为了生活当过煤矿工作的童工，后来也与许多人组成乐队在酒吧里演奏谋生，但是因为Art Blakey是不懂得看乐谱的，但这件事被团员们知道之后，Art Blakey被强迫放弃钢琴，而开始成为一位鼓手。事实上他演奏鼓纯粹都是自学成材，只不过方法上有其独到之处。他选择了一些著名鼓手的音乐，细细体味，认真揣摩，奇克·韦伯和西德·凯特莱持的音乐是他最好的音乐老师。
Art Blakey对于非洲音乐的节奏有极大的兴趣，他还在1949年亲自造访非洲。他爱上了非洲音乐和伊斯兰教，最终他改变了自己的信仰，改信伊斯兰教，追随至圣的脚步，并为自己起了一个穆斯林的名字，叫做布海纳。他击鼓的速度运用十分巧妙，非常擅长于运用大鼓与鼓缘的敲打所造成音色上的变化，他的打鼓好像雷击，而且力道强劲，他吸取了一些非洲音乐的演奏技法，这包括了叩击鼓的边缘，在手鼓上用肘部敲击以改变音高。他另外一项知名的技法就是每秒和四次击后都戏剧性地关闭踩钹。
1943年和 1944年他效力于 Fletcher Henderson的管弦乐队，并同他们一道去南方做巡回演出。1954年 Art Blakey与钢琴手 Horace Silver组成一个五重奏，其中还包括年轻的天才小号手Clifford Brown，由于演出得到很好的回应，因此他决定让乐团成为永久性的团体，前后长达近 40年的时间，他将乐团命名为Jazz Messengers。
Jazz Messengers被公认为hard bop爵士乐队的原型和典范，他们演奏的音乐以活泼的BLUES为基础，同时加入了大量活跃的，令人兴奋的 bop音乐素材。 从五十年代到九十年代，Jazz Messengers乐队基本上是 Blue Note 唱片公司录音，但 Impulse 唱片公司也是其合作者之一。Art Blakey一直活跃在爵士舞台上，使人们几乎认为他是永远存在的。最终他在1990年去世。
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Sonny Rollins原名heodore Walter Rollins。Sonny的才华很早受到赏识。1949年，19岁的他出现在Babs Gonzales、J.J. Johnson、Fats Navarro和Bud Powell的专辑里。其实在很早就有的《The Amazing Bud Powell, Vol. 1》这张重要bebop专辑中就有他的身影。只是当初听的时候，一心折服于Bud的琴技，完全忽视了Sonny的表现。接下来他又分别和MJQ、Monk、Miles Davis有合作，比较容易找到的专辑有Miles Davis 早期的经典《Bags' Groove》。
1954年底，Sonny暂别爵士圈，直到1955年底Sonny在Prestige推出了自己名下的第一张专辑《Worktime》，此时他的演奏已经比较成熟。接下来的《Tenor Madness》、《Saxophone Colossus》等专辑实际上已经将Sonny推到了同时代萨克斯手的前列。同时期他与Clifford Brown、Max Roach的合作可谓爵士史上经典组合，只可惜天才小号手车祸身亡。1956年开始，Sonny为Blue Note录制唱片，虽然数量很少，但是每一张都质量上乘。而Sonny并不满足于此时的成就，1959年到1961年，Sonny再度引退。深夜里一个人在威廉斯堡桥上对着河水苦练的传说已经成为著名的爵士故事。这段时间，John Coltrane逐渐开始树立自己的风格，并成为萨克斯旗手，而Ornette Coleman则为自由爵士找到发展的方向。1962年在RCA以《The Bridge》再度出山的Sonny也在不断发展着爵士乐。《The Bridge》由于有Jim Hall的加盟，整张专辑风格优美感性，同时Sonny充分发挥了即兴旋律的特长。但这只是一个开始，1960年代的Sonny Rollins保持着旺盛的创作力，有时一脚踏进前卫，有时又不经意拿出回溯源头的作品，出入自如。
1960年代末，John Coltrane去世，爵士乐告别了最辉煌的年代，Sonny再次隐退。70年代重新出发后，他的音乐里也加上电声，向摇滚和流行的趋势靠近，1980年他还出现在Rolling Stones的《Tattoo You》专辑里。1998年《Global Warming》专辑才回到原声爵士。2000年70高龄的大师还出版了新专辑《This Is What I Do》。
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Stan Getz，男 职业是萨克斯风手，是爵士乐领域是旋律即兴的代表人物。
Stan Getz演奏的最大特色在于节奏运用的巧思。在过去摇摆乐或Bebop盛行时，演奏者对于节奏乐器几乎都抛不开鼓或贝斯。然而，Stan Getz却在演奏当中保留Bebop的特殊断句效果，并且在旋律当中一并加入这些自然的断句或断奏，使得他吹的萨克斯风听起来即使没有鼓韵也相当丰富。如此一来，萨克斯风的吹奏又多出许多风格变数。而其他乐手后来也间或采用这种特有的吞吐吹奏法，把整个六十年代中期的爵士乐点缀得更加迷人。
轻声的颤音与慵懒闲散的音质，成为Stan Getz为爵士乐谱下个人风格的绝佳典范。他虽然经历摇摆乐和Bebop的洗礼，却不曾迷失在因袭传统或鼓噪式的煽情中，只要他的乐声一起，凝聚在恣意闲情的旋律和拖曵慢调的节拍，就立即捕捉了听者的想象。
1991年6月6日Stan Getz因病去世，生前共留下近百张精彩的演奏录音。
萨克斯风手Stan Getz在爵士乐领域是旋律即兴的代表人物。四十年代中期起，他先后加入Jack Teagarden,Stan Kenton,Benny Goodman等知名乐团，未及弱冠之年，Stan Getz已经以自己名义灌录过唱片。
五十年代中后期，因缘际会使Stan Getz的名声远播至欧洲，尤以在北欧一带最具知名度，这时候他转注于Bebop的演奏风格，1958年至61年间，他待在哥本哈根足足三年从事创作。
然而一般人最熟悉的Stan Getz风采，却是1962年左右他回到美国与一群巴西乐手所掀起的拉丁爵士乐风潮。一首“The Girl From Ipanema”不仅令人一听就爱不释手，Stan Getz迷人轻快却又毫无压迫感的旋律与节奏，顿时成为拉丁爵士乐的代表性人物。事实上“The Girl From Ipanema”这首歌，也有一段极浪漫的真实故事。巴西的作曲家Antonio Carlos Jobim与Vinicius de Moraes两人经常在Ipanema海滩附近的Veloso露天酒吧饮酒作乐。两人不约而同的看见一位青春活泼，全身古铜色皮肤的女孩，摇曵生姿轻摆过他们眼前，然后消失在海滩的人群之中。在灵感触发之下，便谱成了这首红遍全南美的“Garota de Ipanema”。有趣的是那家酒吧后来以这首名曲为店名，吸引了成千上万的观光客来一探究竟。而故事的女主角Heloisa Eneida Pinto的女儿如今也亭亭玉立，宛如当年她自己的婆娑风采。另外，为了纪念作词者，Vinicius de Moraes的名字被引用为比邻酒吧旁边的路名，一时亦传为美谈。
这首原为葡萄牙文的名曲“Garota de Ipanema”，后来由美国作词家Norman Gimbel填上部分英文歌词，在美国再度发行，成为目前走红的“The Girl From Ipanema”。
Stan Getz演奏的最大特色在于节奏运用的巧思。在过去摇摆乐或Bebop盛行时，演奏者对于节奏乐器几乎都抛不开鼓或贝斯。然而，Stan Getz却在演奏当中保留Bebop的特殊断句效果，并且在旋律当中一并加入这些自然的断句或断奏，使得他吹的萨克斯风听起来即使没有鼓韵也相当丰富。如此一来，萨克斯风的吹奏又多出许多风格变数。而其他乐手后来也间或采用这种特有的吞吐吹奏法，把整个六十年代中期的爵士乐点缀得更加迷人。
轻声的颤音与慵懒闲散的音质，成为Stan Getz为爵士乐谱下个人风格的绝佳典范。他虽然经历摇摆乐和Bebop的洗礼，却不曾迷失在因袭传统或鼓噪式的煽情中，只要他的乐声一起，凝聚在恣意闲情的旋律和拖曵慢调的节拍，就立即捕捉了听者的想象。
1991年6月6日Stan Getz因病去世，生前共留下近百张精彩的演奏录音。根据Down Beat杂志记录显示，他一共获得十七次年度最佳次中音萨克斯风手（Tenor Sax）。在美国人心目中，他是位乐界英雄，在所有乐迷心里，他更是位音乐艺术家。
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Bill Evans
伊文思是巴德·鲍威尔之后的又—位大师，是无数钢琴手学习和模仿的对象。他的成熟的演奏风格影响了一大批钢琴家。即使在非爵士乐的听众中，他也具早召力。他在诠释民谣音乐方面富于情感的演绎得到了大家的认可，这使得他深受欢迎。同样他也能够演奏出强烈的摇摆风格的作品，这说明他的技巧是全面和完美的，在当代的爵士乐钢琴家中，他无疑是最出色的之一。
1929年8月16曰生于美国新泽西州的普兰菲尔德。比尔.伊文思从小受过良好的钢琴教育，进入美国西南部的路易斯安那大学后．曾与曼德尔·洛和雷德·米切尔一起从事音乐活动。大学毕业后．比尔.伊文思应征人伍。1956年首次在纽约舞台上与托尼·斯科特一起搞出，同年录制了自己的首张唱片《爵士乐新概念》。 1957年，他与乔洽.拉富尔、查理·明各斯的合作．对曰后的发展产生了积极的影响。1958年，比尔·伊文思加盟著名的迈尔斯·戴维斯六重奏乐队．并全身心地投入到与迈尔斯，戴维斯乐队的合作中。《绿中的蓝》和《德比的华尔兹》都是他这一时期演奏的经典乐曲并成为排行榜上的热门曲。评论界曾毫不夸张地说：“他对爵士乐发展的贡献在某种程度上就是建立起未来爵士乐钢琴演奏家的标准。”1959年，比尔.伊文思开始指挥自己的三重奏小组，他们相映成趣的演奏．对后来的音乐家具有极 其深远的影响。1962年，伊文思与查克.伊富瑞合作录制了一张经典唱片。此后，又为多家唱片公司录制了许多优秀作品，其中为河岸唱片公司、神韵唱片公司、范泰西唱片公司和华纳唱片公司录制的专辑最为著名。1980年9月l5曰，伊文思在纽约州纽约市去世,年仅51岁。
Bill Evans是一位受过良好教育的钢琴家，这为他在音乐上取得更高成就奠定了基础；在进入了位于美国西南部的路易斯安那大学之后，伊文思一起从事音乐工作的队伴是曼德尔·洛和雷德·米切尔。在大学毕业之后，伊文恩成为了一名军人。1956年他首次在纽约舞台上露面，同托尼·斯科特 起演出。也是在这一年，他录制了自己的首张唱片《爵士乐新概念》。
1958年，Bill Evans在著名的Miles Davis六重奏中占据了一席之地，这个明星荟萃的集体促进了伊文思音乐风格的形成，向各位前辈大师的合作，帮助伊文思认识到爵十乐更深层次的内涵。在这些日子里，他全身心的投人到与Miles Davis的合作之中。伊文思对爵土乐坛产生了冲击，他对于爵士乐发展的贡献在某种程度上就是建立起未来的爵士乐钢琴家演奏的标准。
1959年，Bill Evans开始指挥自己的三重奏，乐队中的另外两位成员是伟大的贝司手斯科特·拉法罗和鼓手保罗·莫蒂安。这三位音乐家都具有非凡的技巧，在乐队中他们都占据了同样重要的地位，他们相映成趣的演奏，对后来的音乐家具有极其深远的影响。具有悲剧色彩的是在1961年6月，在他们为前卫村庄唱片公司录音完成后不久，拉法罗便被一场车祸夺去了生命。在剩下的日子里，Bill Evans处于孤立的境地中。在1962年他复出，合作者是查克·伊塞瑞，他是一位新的贝司手，他们一道录制了他们的两张经典唱片中的第一张。三重奏的形式一直伴随伊文思走过他的一生，同时也为爵士乐留下了永恒的经典。
和同时期的许多爵士乐音乐家一样，Bill Evans有吸毒的恶习，这使得他的音乐生涯过早的结束。然而，幸运的是他从1956年开始为多家唱片公司录制了许多优秀作品，这为喜爱他的爵士乐爱好者提供了宝贵的资料。其中他为河岸唱片公司，神韵唱片公司，范泰西唱片公司和华纳兄弟唱片公司录制的作品最为著名。
1950年代中后期，Bill Evans在爵士乐坛崭露头角时由于其非凡的技巧而幸运地获得了与包括Charlies Mingus、Miles Davis、John Coltrane等爵士乐大师合作的机会，特别是在Miles Davis六重奏的那两年里，他基本完善了自己的风格，并从较深的层次上触摸到爵士乐的内涵。
作为中产阶级家庭出身的白人，至死不忘在自己一丝不苟的栗色背头上抹发油的Evans与一些如Thelonious Monk这样一生郁郁不得志的黑人钢琴天才绝对不一样，甚至在对爵士乐本质的理解上都是对着乾的；在种族隔离制度阴影尚未消散的年代，他们双方从阶级地位再到演出场合、酬劳和受群范畴上也不尽相同。于是，我们理解了为什么Evans在风格基础上一直没有脱开少年时良好的古典音乐熏陶，以及他的音乐可以博得从爵士乐、民谣到严肃音乐范畴的乐迷的青睐；那些小情滥调的批评家所赞誉的，Evans所建立起来的爵士乐钢琴演奏的标准，那种高尚的情感力量，时时却像荡妇的贞洁牌坊那样纯洁，那样高耸入云。
1959年之后，Evans一直坚持着钢琴、贝斯和鼓的三重奏形式，他自恋、优雅、将音乐中每个细节都栩栩展开的弹奏方式似乎从开始就被固定在颠峰，换个说法就是在1980年去世以前他从来没有改变和进步过。
我不去否认Evans在音乐中对自我有时几乎残忍的剖析态度，而那种值得尊敬的固执却总会像冰裹着的火般熄灭，他音乐简单和乏味的源头在于他总不忘记去抚摩和安慰的庞大自我的简单和乏味。
大部分乐迷们注意到Bill Evans多是在他和老麦(Miles Davis)合作之后，然后往前去找到Riverside时期的作品，其实，在稍早他也有和Mingus合作，但是他的温柔和Mingus的骚动相较之下，他变成一个微不足的 side person。
Bill Evnas开始被广泛注意，应该是属他参与了名著: Kind of Blue的录音及制作，其中他担任了主要的钢琴手，Blue in Green，Flamenco Sketches两曲是他的作品，这张专辑的编曲也由他担任，甚至linernotes 也是他写的。
然而，他最喜欢的编制，却不是像Kind Of Blue那种六七个人的东西，他的最爱是trio: 三重奏，包括他的钢琴，鼓及bass。
1959-61 年间，可算是他的黄金时期，这个时期他和贝斯手: Scott La Faro 及鼓手Paul Motian 合作，在Riverside 旗下留下了许多精彩的录音。 其中最著名的该属Sunday at the Village Vanguard以及Waltz for Debby 两张。 这两张是同一场录音，在Village anguard酒吧所留下的，十天后，Bill Evnas认为最了解他的贝斯手Scott La Faro意外身亡，Bill Evnas 为了纪念他,选出当次的录音的几首收入Sunday at the village vanguard，副标定为featuring Scott La Faro ，其它几首曲子则收入Waltz for Debby。
个人认为，Bill Evans的最佳录音时期是在Riverside，其中最好的作品，是trio，又trio中，上述的阵容是最坚强的。 当然，在verve 他也留下了一些好东西，像是独奏专辑Alone，自己录音三次再混音的conversations with myself,都是很好的作品。
70's他又找到了一个极佳的bass: Eddie Gomez，是和他合作最久的一个bass，除了留下一些二重奏的作品，也使他得到几次Grammy Award。 Eddie Gomez 的演奏较暴裂一点，所以，和他同工时，Bill Evnas常也被带得较热情一些。
他的最爱表演形式是三重奏，他的演奏有人将他算入是Cool，但是，我却喜欢将他归为自己一类，抒情的即兴，适合酒后微醺闭上眼睛聆听刚好和他吸毒后的情绪得以对话。 严谨的害羞的他通过优美的琴声，却可以让别人感觉到他触键时流泄出的感情。 除此之外，他的创造力更是勇气十足，他曾经尝试将循伯格提倡的十二音列拿到爵士乐里来用，一些曲子如T。T。T 或是T。T。T。T就是示范，可惜好像并不太成功，也没有引起什么风潮，倒是在他之后，许多钢琴家的弹奏都很Bill Evnas，像是Chick Corea，Herbie Hancock，Keith Jarrett，或是前一阵子才去世的Michel Patrucciani都有一段明显受他影响的岁月，我想，说Bill Evnas是一派，应不为过。
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Count Basie Orchestra
贝西伯爵生于1904年八月21日的Red Bank/New Jersey，母亲是他的第一个钢琴老师。
20岁的时候他就跟着乐队开始在南方巡回演奏钢琴，巡回结束后他就在默片戏院里弹钢琴。1928年他加入当时很强的Walter Page's Blue Devils，这是一个在Kansas City耀武扬威的blues-based swing band。贝西伯爵之后又跳槽到Bennie Moten's band。1935年，Bennie Moten猝逝，贝西伯爵便决定自立门户，在Kansas City组了自己的九人爵士乐队，在Reno Club固定演出。Reno Club里有一套广播设备，可以透过W9XBY广播电台全城放送，这一点对贝西伯爵的未来有很大的帮助。
1936年，唱片制作人John Hammond碰巧在车上听到W9XBY广播电台的现场演奏，John Hammond立刻赶到Reno Club和贝西伯爵签下唱片录音合约。1937年，The Count Basie Orchestra到纽约发展，在知名的Roseland Ballroom表演，同时透过全国性广播节目Famous Door放送,The Count Basie Orchestra成为了全国性的爵士音乐团体。
贝西伯爵在当时的主流音乐--摇摆乐风下 ，加入了很多blues的元素，以及大量的管乐手独奏，为未来培养出顶尖的爵士乐独奏艺人，像萨克斯风手Herschel Evans and Lester Young、小喇叭手Buck Clayton、伸缩喇叭手Dickie，再加上蓝调歌手的vocal表演, 贝西伯爵的jazz-blues orchestra吹奏出灿烂辉煌的爵士乐史。尤其是后来Bebop的jam session即在此孕育成形。 作为一个爵士钢琴师的贝西伯爵，他的成就不只在带过两个jazz orchestras，他在钢琴上的演奏技巧也直逼他一生最崇拜的偶像Fats Waller。 贝西伯爵能够抑制自己的表演，用来衬托同僚的背景支持风格在众人皆想出风头的爵士乐坛上更属难得。 Basie是一个矮胖、眼睛有些向外鼓，由于复杂的生活经历而变得过于世故，并将这世故变成一条绳子拘束住他本可以更伟大的艺术才能的家伙，除了象征身份的"伯爵"之外他还有另一个暗示了他音乐取向的绰号"圣徒"，它有两个意思，一是指他永远嗅得出并服从上帝(主流乐迷)的旨意，二是指他对音乐循规蹈矩，永不犯错的严格态度。
Basie 和他的大乐团演奏出了最为标推的摇摆爵士乐，他开辟并完善了堪萨斯传统，即所有的编曲都围绕着节奏组合(钢琴、贝斯、鼓和节奏吉他)来进行，他特别强调了钢琴在节奏部的角色，并为一些出色的独奏乐手留下了合适的即兴空间。怎样让十六个乐手做出严谨、每个细节都关照到爵士乐，是Basie穷其一生去追求的风范之一;而他音乐中天塌下来般的慑人气势，及你必须去狂欢 、必须去跳舞的逼迫力，也是其他大乐团难以企及的地方。
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Ellington,Duke(1899～1974)美国作曲家，钢琴家。爵士乐史中最有影响的人物之一。生于华盛顿，卒于纽约。20世纪30年代初，他的乐团在纽约棉花俱乐部树立了声誉。后来乐团在欧洲巡回演出，吸引并影响了一些作曲家。乐团虽然改组多次，但始终保持了一流爵士乐团的水平 。埃林顿一生创作有900多首作品 ，其中有《蓝色的情绪》、《孤独》、《黑色和棕色幻想曲》、《克里奥尔情歌》和《黑色、棕色和灰褐色》等。
Duke Ellington原名爱德华.甘乃迪.艾灵顿(Ed ward Kennedy Ellington)，1899年4月29日生于华盛顿特区，他出身于一个富裕的中产阶级黑人家庭。他的父亲在白宫工作，母亲是一位家庭主妇。他的姑姑是一位教师。他是一名成绩优秀的学生，美国音乐学院奖学金的获得者，也是一名优秀的运动员。
他从华盛顿来到纽约开始了他的音乐生涯。当时竞争很剧烈，纽约有很多优秀的钢琴家。1927年开始，在纽约哈林区的棉花俱乐部演出，1928－1931年被任命为棉花俱乐部的音乐指导。当时他的作曲技术还不太成熟。这个时期的作品还不能证明他是一名出色的音乐家。但是他聪明地使用了优秀的独奏。同时，他也在努力地改进自己的作曲技术。在棉花俱乐部给了他机遇和挑战。他要创作很多音乐，包括舞曲和戏剧性音乐，配合俱乐部的各种各样的活动。可以说，他30年以前的创作，主要是凭借耳朵的直觉，并不知道太多的规矩。
1930年以后作曲技术提高，在当时他必须写出大量的高质量音乐，否则就会被解雇。这时创作了不同类型的音乐，比如民谣和布鲁斯等。Jimmy Blanton 在贝司上把断奏改为连续进行。Bliiy Strayhorn 是公爵的备用作曲家，他了解公爵能够写出与他的风格相似的作品。艾灵顿公爵不喜欢摇摆乐这个词，也不喜欢爵士乐这个词。他认为自己不仅仅是一个爵士乐音乐家。
50－70年代社会音乐生活的影响改变了他的音乐生活。当时美国音乐上变化很多，很多打的乐队面临着竞争。当时年轻人所听到的音乐种类多了。节奏布鲁斯、灵歌、摇滚乐。这样对爵士乐而言，形成了竞争。他们经常花重金挖走爵士乐队的乐手。对于爵士乐大乐队而言，付给很多乐手高昂的费用，往往比较困难。同时，在50年代，电视出现。去演出现场听音乐的观众少了。[1]
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